舞台的灯光色彩是舞台设计的灵魂，灯光色彩对不论是舞台室内景象还是室外景象对设计的空间感、舒适度、环境气氛、以及对人的生理心理都是有着很大的影响。下面是小编收集整理的浅谈舞台灯光对观众心理的影响论文，希望对您有所帮助！
摘要：舞台灯光在戏剧演出中是一个灵魂性的存在，灯光的不同表现方式，不同的色彩，不同的照射角度，都可以令一个人物一个景甚至是一部剧透出一个最中心的情感表现，因此我觉得在舞台中，灯光是一个很神奇的艺术表现形式，戏剧是艺术家的一场游戏，灯光像一种魔法，赋予这个戏剧的整场当中，让所有的观众沉溺于这通过艺术所表现的的幻觉空间当中，充分体会到艺术家，编剧所创造的真实场景当中，容易到里面，如痴如醉。因此想要了解观众心里，了解到最灵魂的所在，就要融入观众心里感应，了解观众对于舞台的情景心里反馈。
因此，我才发现，艺术家之所以伟大，并不是高高在上的艺术神秘感，而且一种朴实，自然，是一种对人们带来一种美好向往的本质的追求。真正美好的艺术是能够被人们所理解的，能够与观众的内心所产生共鸣的，能够让人们感觉到美的。
关键词 ：舞台灯光；观众心理；注意力；色彩；节奏型；真实感。
一、色彩在环境中对人的心理作用
光与色的结合是舞台灯光创造艺术效果的重要手段，光的色彩很大程度上决定了舞台画面的色调。富有刺激性的色光被用来创造美得感受，影响观众的心理，具有很大的表现力和感染力，已经成为当代戏剧演出的惯用手段。
光和色是不能分离的，这一点不言而喻，阿恩海姆在《艺术与视觉》一书中指出：“色彩能有力的表现情感，色彩的效果非常直接并且具有自发性。”我们知道色彩是一种赋予象征性的元素符号，他在人类社会中扮演者一个重要的角色，就色彩而言，本身色彩是没有任何感情存在的。但是色彩进入人们视野当中，人类产生不同的情感反馈，形成了不同的情感表达，色彩便成为了人们表达感情的一个重要工具。在绘画艺术中，色调是一幅画的主旋律；在戏剧一书中，由舞台灯光渲染而成的色调可称之为整个戏剧演出的“情绪宗谱”。
舞台的灯光色彩是舞台设计的灵魂，灯光色彩对不论是舞台室内景象还是室外景象对设计的空间感、舒适度、环境气氛、以及对人的生理心理都是有着很大的影响。在一个固定的舞台环境当中，最先闯入我们的视觉感官的是色彩，而且最有感染力的也是色彩。不同的色彩可以引起不同的心理感受，好的色彩感觉就是这些感觉的理想组合。人们从美妙的色彩当中产生了美的遐想，化境为情，身临其中。例如，卡尔斯坦恩海姆《势利小人》的舞台场景，不同的色调冷暖的不同，就给予人们不同的美的视觉感悟，给人以不同的美的遐想。
通常我们所说的“环境色彩”是由天花板，墙壁，门窗，地面等因素组成。但是运用于舞台美术之上，我们的色彩并不仅仅是这么单纯的元素，除了舞台布景本身的颜色之外，我们还拥有灯光，灯光色彩的冷暖，强弱，光所涉及的范围大小，都是在影响着我们整个舞台的环境色彩。利用不同的色彩，不同的表现方式，去展现不同场景不同情境下的人物的不同心理变化，同时也影响着台下观众的心理
在舞台演出中，舞台灯光常常需要模拟现实生活中的某种场景，有时，不仅需要光来创造戏剧环境的空间，而且还要显示剧情发生的时间。这时，主要表现的光源迷茫笼罩着整个舞台空间，舞台画面被同意在这种光源的英闲暇而形成某种色调。在舞台上表现出的月光照射下的街道，油灯下的小屋，都呈现出某种特定的氛围的色调，然而这些主光源就在潜移默化的影响着观众的内心感受，当主光源根据剧情的节奏进行不同的变化中，观众的内心感受便跟着不同的场景变换不同的色彩转变，从冷到暖，从安逸的感觉走到紧张激烈的感觉逐步发展着内心的心理感受。
二、观众对于当代剧场真实感的需求
观众能够在剧场中希望感受到真实的存在，所谓我们讲到的“真”。每个人拥有每个人不同的定义。舞台灯光所能够做到的只是模拟真实的自然，并无法完全恢复到自然的状态，那么，如何做到观众内心所期望的不同的“真”？这里所说的“真实”是区别于真实的客观世界，真正的“真实”并不是照搬照抄真实的生活场景，即使我们是在创造虚拟的戏剧世界也应该做出世界的本色，自然的原貌。阿披亚那句名言说到：“我们不要去创造森林的幻觉，而应创造处于森林气氛中的人的幻觉”，这句话也就告诉我们我们要给观众营造幻觉。我们所说的幻觉，是一种舞台艺术家的一种最高形式，这个形式分为两个方面，一个是外在的戏剧场景的客观表现的，另一方面是内在的观众对于剧场情感的表达。所谓外在的因素，就是指的设计者将故事的时间、地点、情节、场景等很多客观因素综合起来、通过自己的不同的理解、加工提炼、作用到我们肉眼所能够感受到的场景里当中。所谓我们所讲到的内在，是艺术设计者根据情景发展变化，戏剧人物角色的内心等诸多心理因素的变化融入灯光当中，灯光是内心情感的流露，是情感的延伸，因此是本身，自然的。在整部舞台上不论是内在因素还是外在因素，都无时不刻存在在整个舞台当中。当二者具备的前提下，根据设计者的取舍才能体现到最本色、真实、自然的戏剧。
总之对于艺术本色的追求，一定要利用设计者最本色、最自然的方式去制作，一旦过度堆积某一种艺术手段，不去遵循本色，无法设计出自然的形象。按照自然的布光，让观众感受到自然，使得其身临其中，营造出符合观众心理的空间形象。
三、灯光作用于舞台的力学
存在于舞台当中的任何形象都不是孤立无援的个体，当然观众也希望能够通过戏剧看到一个剧目的强有力的戏剧冲突的存在，所以就产生了一个作用于舞台的力学结构。
设计师在舞台上，由演员，布景，灯光，服装等一系列因素抽象出表现能量的“力线”——力的动态舞台。在舞台上，灯光的色彩、节奏、明暗层次无不影响这一力学结构。普拉姆波利尼说过：“在舞台空间中，各种发亮的造型因素组成的多向度，电动力学结构，各种动作通过人声，光和‘会演戏的空间’的相互作用而展开。”灯光在力度上把握很有讲究，有时光的迅捷变化显得有力，但有时，过于缓慢、沉重也会显出特殊的力度。同时，在舞台上布光时要寻求支点，没有支点的布光会造成力涣散，从而扰乱观众的视线。比如《独立节宣判》中的两位女学生凶杀的场景，灯光伴随着演员缓慢的动作而相应的变化光色，虽然灯光变化很慢，但通过色彩比和慢动作定格的配合，给观众带来的却是紧张、强有力的感受。此外，光投射的方向、大小、硬度，光束的排列所产生的力度和效果也是各不相同。舞台上灯光可以调节视觉力学结构。
灯光不仅仅在视觉层面上，更延伸到了心理层面上作用于舞台力学结构。
四、舞台灯光对观众注意力的影响
在剧场里，我们常用一句话来形容灯光的作用：我们只给观众看我们想给他们看的的东西。我们把想给观众看的部分打亮，而把其它的部分留在黑暗中。所以选择性的可见度，便是由灯光依照舞台区位或人物的重要性，作有层次及选择性的照明。且由于人类的眼睛对光线特别敏感，当舞台尚有灯光亮起，观众便会将眼睛的焦点集中在有亮光之处。换句话说，灯光等于是带领观众在演出进行中，随时可以找到重点的探照灯。
但是在最早的戏剧演出慢慢长河中，人们并不知道舞台灯光的价值，不论古希腊古罗马的露天剧场，还是文艺复兴时期公众剧场演出，都是在白天下自然光源下演出的。虽然也有室内或者晚上的演出，则一直使用的是蜡烛，油灯，火把所谓照明工具，在那一段历史时间中，光被排除了造型因素，仅仅只是存在于一个照明的对象。在奥林匹克剧场投入使用以后，安吉洛英格奈里开始注重舞台要比观众席更亮，于是在戏剧舞台的发展中，舞台灯光终于慢慢进入了一个艺术化的道路，更加注重以人为本，在意观众的感受。
经过漫长的发展，走到现代的戏剧舞台，更加在意对于观众的感受，所以因此要使观众注意力长时间保持住，光靠剧情和演员是远远不够的，首先利用灯光的指向特点，自由调动观众的视线。
其次，暗示作用。在情节的发展中，用微妙的灯光效果来为全剧设置悬念，做铺垫，能引起观众较大的注意力，并且有较大的持续力。
最后，在戏剧演出过程中，不仅需要灯光的设计来吸引观众，还要符合整部戏剧的风格的统一。利用更多的分散其他的元素，强化重点的元素，利用灯光指向性强化需要特殊突出的剧情，使得观众更加注意到整部戏剧的关键，从而整部戏都在吸引着观众的眼球。
五、灯光的节奏感作用于观众
光是有节奏的，包括光感和光的运动感。可以把光的节奏与音乐相连，即光的音乐性。阿庇亚说过：“光是音乐的视觉等价物，只有音乐和光才能表现所有表象的内在本质。”在舞台上，静止的舞台布景置于光色之中，便生机盎然，活灵活现，灯光的运动感为舞台营造了生动的时空气氛，让观众沉溺其中。
光造成的艺术空间是有形的，也是无形的，是带着情境的，一直延伸入观众的情感之中，舞台灯光给观众一个艺术空间的幻想，营造给观众一个美好和谐的心理空间，因此要做到这一点，就要求设计者能够寻找到最内心深处的最内在的本质和规律。
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