内蒙古西蒙公益基金会201*年度工作总结
内蒙古西蒙公益基金会201*年度工作总结
内蒙古西蒙公益基金会注册成立于201*年7月14日，致力于搭建西蒙集团公信透明、可持续发展的公益事业平台，实现西蒙集团“实业报国，造福社会”的企业使命。基金会成立半年来，在没有专职工作人员的情况下，多方运作公益项目，同时完善基金会建制，现将基金会201*年度各项工作总结汇报如下：
一、基金会201*年组织的公益活动
1、成立“内蒙古师范大学教育发展基金会连广明教育发展基金”。
201*年6月西蒙集团开始筹划成立“内蒙古师范大学教育发展基金会连广明教育发展基金”，同时为内蒙古师范大学教育发展基金会捐赠300万元人民币用于捐资助教，并于201*年10月正式签订协议。此300万元捐赠因在基金会正式注册前即开始运作，基金会成立后由基金会人员负责具体工作，后续事宜一直到201*年10月底前才全部完成，故捐赠款项仍在西蒙集团名下，没有入到基金会中。
基金会理事长连广明毕业于内蒙古师范大学，对母校有着至深的感情，近十年来几乎年年巨资扶助师大的贫困学子。基金会成立后，将更专业化地开展类似的捐资助教活动，同时运作好“内蒙古师范大学教育发展基金会连广明教育发展基金”，资助更多的社会贫困学子和科研人员，大力支持社会教育事业。
2、聋哑大学生献画感谢西蒙助其走出无声世界。
8月26日下午，天津美术学院学生任大宇与其父母、亲友来到西蒙集团，将一幅写着“感谢西蒙集团，让我走出无声世界”的油画和一封感谢信郑重地送到基金会理事长连广明的手中，这副沉甸甸的油画传递着人世间最美好的情感，表达了任大宇一家对连理事长和西蒙给予的支持与帮助的感恩之情。
任大宇一岁多时因患感冒丧失了听力，父母克服重重困难教孩子看口型说话，在不懈坚持和努力进取下，他不负众望以优异成绩考上了大学。西蒙集团于201*年初捐助了20万元为其成功进行了人工耳蜗埋植手术，让他走出了无声世界，语言能力也有了很大突破。
3、被授予“慈善企业”、“最具爱心单位”等称号。
因积极参与社会公益事业，为扶危济困、捐资助学、抗震救灾、希望工程等捐款捐物贡献突出，201*年初，西蒙集团被呼和浩特慈善总会评为“慈善企业”，总裁连茹荣获“慈善基金创始人称号”；年底，在自治区第二届公益之星评选活动中，西蒙集团又被自治区党委宣传部等七部门授予“最具爱心单位”。
二、工作中存在的问题与不足
1、201*年西蒙集团开展的公益性活动主要集中在上半年，下半年基金会正式成立后独立开展活动不多，还有一些活动还在运筹帷幄之中，导致基金会没有正式的活动和产生相关款项。从1995年至今，西蒙集团在公益事业上的投入已近亿元，随着集团产业规模的扩大和公益性支出比例的加大，集团才成立了西蒙公益基金会，今后西蒙再组织公益性活动均将由公益基金会独立运作，也就不会再出现捐赠事宜和各项支出数值为零的情况。
2、西蒙公益基金会除一位理事为无党派人士外，其余人员全部为中共党员。人员的思想觉悟和观念足够先进，工作中也勤恳耐劳，但因全为兼职人员，党组织关系均在西蒙集团，因此，在基金会的工作中更侧重于实际的具体的工作，在党领导干部的层面体现不够。
3、缺乏运作公益基金会的经验。以前西蒙集团组织开展公益性活动没有具体形式的要求，缺乏专业性。基金会刚刚起步，尚属建章立制阶段，各项工作还不完善，亟待查漏补缺。
三、201*年工作计划1、加强党的领导。
2、加强制度建设，使各项工作有章可循。3、增强工作的规范化和透明度，对捐款情况、救助项目等进行公示，接受全社会的监督。
4、加强队伍建设。实施培训计划，进一步提高工作人员工作的技巧及水平，提高其综合素质。
5、加强横向联合，与相关性质的团体进行交流、合作，拓展思维，加强活动组织能力。6、创新公益性活动载体，扩大公益性支出范围。
201*年，西蒙公益基金会将“以法治会、规范办事”，努力提高基金会的影响力、公信力，为推动社会公益事业发展作出新的更大的贡献。
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“古典与唯美西蒙基金会藏雕塑、绘画展”语音导览
开篇
亲爱的朋友，欢迎您参观《古典与唯美西蒙基金会藏雕塑、绘画展》。这次展览是201*年“古典与唯美西蒙基金会藏欧洲19世纪绘画精品展”的续篇，在展览中，你将看到19-20世纪初的56件精美雕塑，以及同时代的23幅绘画。吕德、卡尔波、罗丹、克洛代尔、毕沙罗、雷诺阿、高更这些众多欧洲艺术史上地位超然的艺术家的作品将诚意满满的呈现在您面前。
西蒙基金会是由西班牙裔墨西哥成功企业家胡安安东尼奥佩雷斯西蒙先生在20世纪90年代初建立的非营利性机构。基金会是欧洲本土之外最大的艺术品私人收藏机构之一，基金会收藏有种类丰富的艺术品，尤以欧洲19-20世纪的绘画和雕塑收藏最为丰富和精彩。在西方美术史上，19世纪与20世纪是一个色彩缤纷的时代，各种流派和思潮不断产生并流行，波及整个世界。欧洲学院派、新古典主义、浪漫主义、现实主义、立体主义、表现主义等等，这些艺术派别表现了西方式的艺术和审美，也充分体现了人类最伟大的创造成果。
本次展览中的作品不仅给我们带来视觉上的盛宴，也将使每位观众感受到艺术带来的心灵震撼。对美的不断追求是西蒙先生在全世界范围搜寻艺术品的原动力，而将他伟大的发现与收藏与众人分享则是基金会最高的目标。下面，我将陪伴您一起来欣赏这些艺术史上的精品，共同领略缤纷多彩的西方近代艺术！
结语
亲爱的朋友们，在参观过展览后，相信您已经对西方近代艺术有了自己的理解。是的，强调崇高、追求精致的古典趣味与形式多元、手法丰富的向现代性过渡的视觉尝试，构成了19-20世纪初这样一个有着丰富表现形式和多样艺术语言的艺术时代。如果通过这个展览，您已经看懂、欣赏并喜欢上了她的美，我们的目的就达到了。谢谢您的参观，再见！
1古典与唯美
您现在看到的是展览的第一部分，“古典与唯美”。
在19世纪，西方美术学院教学体系逐渐完备，再加上古典主义绘画风格的普遍流行，使得艺术家全面地掌握了写实的技巧，深刻地领会了造型的规律，创作出了一件件令人惊叹的艺术佳作。学院派重视传统与规范，这规范包括题材、技巧以及艺术语言的规范。在摄影出现之前，绘画的主要功能是写实，因此学院派其实是写实主义的大本营。学院派艺术家的作品，主要表现神话、宗教和历史题材，具有优雅精致的唯美主义情调，追求古典艺术所推崇的和谐、均衡与典雅，力求展示最完美的人体。虽然美术学院因其程式化和固步自封曾饱受诟病和挑战，但是在此执教和毕业于此的艺术家仍然是19世纪欧州艺术的中坚力量。
“古典与唯美”作为展览的第一部分，将以雕塑和绘画两种不同的视觉形式，再现学院派艺术的精致、典雅、唯美，展现学院派艺术家对艺术永恒价值的追求。
生命的维度
您现在进入了展览的第二部分，“生命的维度”。
在19世纪，尤其是到了19世纪中期以后，很多艺术家开始有意的冲破学院艺术的陈规，将视野从狭窄的古代神话和文学领域转向了具有时代特征的、与现实生活息息相关的内容。艺术家描摹劳动者身上迸发出来的力量、以及对他们的生存状态的思考，使得生命的意义在艺术作品中得到了最大程度的升华；艺术家研究室外阳光下变幻的色彩、对艺术语言的独立价值与意义的不断追索，又使得艺术语言摆脱了传统绘画的视觉规律和空间概念，艺术的表现方式具有历史意义的向前行进了一大步。雕塑与绘画一样经历了从题材到形式的巨大变化，现实主义、印象主义、后印象主义、象征主义、新艺术运动等流派应运而生，而现代主义紧随其后，开始萌芽。
“生命的维度”作为展览的第二部分，将通过一件件充满生命力的作品，以多元的艺术风格，向大家呈现出19世纪下半叶至20世纪初风起云涌的欧洲艺术世界。
2一、“古典与唯美”部分：雕塑13绘画6
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弗朗索瓦吕德(1784-1855)
赫柏女神与朱庇特的鹰青铜
76.8x56x38.5厘米
签名：F.RUDE(基座右侧边缘)
铸造印章：FUMIEREETCie.SUCrs.THIEBAUTFres.PARIS(基座后方，右侧）
著名的浪漫主义的雕刻家吕德出生于法国第戎的一个富商家庭。在雕塑上，
他与另一位浪漫主义雕塑家德拉克洛瓦并驾齐驱，与19世纪法国最杰出的雕刻家乌东、罗丹等人齐名。他的作品既有古典主义的严谨，也富有浪漫主义的激情。他的代表作是浪漫主义雕刻史上的不朽之作：巴黎凯旋门上的群像浮雕《马赛曲》。
《赫柏女神与朱庇特的鹰》是1846年第戎城委托吕德创作的，最初只制作了大理石雕像，之后又制作了青铜的版本。这件青铜作品融合了柏拉图对美的最充分的定义，得到了当时批评家的赞赏。作品表现的是“永恒青春”的神话主题：赫柏女神是朱庇特和朱诺最小的女儿，同时也是为众神斟酒献食的青春女神。朱庇特的鹰是神的化身，象征着权力。吕德在表现中将赫柏女神作为女性的象征，而鹰则成为愿望和爱的象征，艺术家希望以女性和爱来强调生命的力量和循环。雕塑的底座上刻着荷马、欧里庇得斯、奥维德等学者的名字，反映出艺术家深厚的知识底蕴。这件作品在吕德生前并没有完成，它是艺术家的妻子和助手合力按照他的创作思路最终制作完毕的，被称为吕德“艺术的遗嘱”。
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安托万-路易巴里（1796-1875）特修斯杀死半人马，约1876年青铜，黑绿色铜锈73.5x67.2x30.2厘米
签名：BARYE（基座前部，左侧）
基金会标识：F.BARBEDIENNE,FondeurParis（基座后部，右侧）
法国动物雕塑家安托万-路易巴里在童年时代就已经开始随着当金饰工的父亲学习雕刻手艺了。画家巴伦安托万-让格罗斯是巴里的艺术启蒙老师。因为格罗斯，巴里没有追随学院派艺术家建立的法则，而与浪漫主义艺术有了更直接的接触：巴里的动物雕塑主要取材于猛兽之间的搏斗，强调紧张的动态和猛烈的运动感，因而被人们归入浪漫主义美术流派。他的作品中，对动物的精确观察与对造型的概括相互配合，因此，即使是小型雕塑也往往具有纪念碑式雕像的气势。
这件雕塑的主题来源于古罗马诗人奥维德取材于古希腊罗马神话的著作《变形记》。《变形记》是根
3据古希腊哲学家毕达哥拉斯的“灵魂轮回”理论，用变形，也就是人由于某种原因被变成动物、植物等线索贯穿全书，书中叙述了大量虚构的或真实的人物的变形故事：在庇里托俄斯和希波达米亚的婚礼上，作为客人的半人马不习惯饮酒，在醉酒后试图强暴人类的女子，由此挑起了人类和半人马之间的战争。雕塑表现的是希腊神话中的英雄特修斯与半人马比耶纳打斗的场景。巴里巧妙地利用这个史诗般的情景，表现出了其雕塑中表现身体动态的娴熟技艺和对动物解剖细节的丰富知识。
05/30428
马里于斯-让-安托南梅西耶（1845-1916）大卫战胜歌利亚青铜，铜锈
46x23x17厘米
签名：A.MERCI（基座前部，右侧）
基金会标识：61F.BARBEDIENNE,FondeurParis（基座后部），REDUCTIONMCANIQUEA.COLLASBREVETE（基座后部）
法国雕塑家和画家梅西耶曾在法国国家高等美术学院跟随弗朗索瓦茹弗鲁瓦学习艺术技艺，之后进入罗马艺术学院深造。梅西耶的作品风格迎合了当时公众的口味：他收到了大量的工作委托，创作了许多雕像、胸像。这件1868年在梅迪奇别墅开始创作的《大卫战胜歌利亚》是梅西耶第一件获得成功的重要作品。雕塑的题材来自《圣经》，讲述了以色列王大卫少年时的故事。在一次扫罗王率大军征战非利士人的对阵中，身材高大的非利士将军歌利亚傲慢地要求与犹太人一对一单挑。大卫主动请缨，他拒绝扫罗王赐下的铠甲，从溪边捡拾起五枚鹅卵石便上了战场。第一枚鹅卵石就击中歌利亚的前额，将其毙命。大卫上前拔出歌利亚的佩剑，一剑割下他的头颅。非利士人见大将已死，惊慌地溃散奔逃。这一事件常被视为后来基督进入耶路撒冷的先兆。本作表现了大卫得胜的情景：大卫脚踩歌利亚的头颅，正将佩剑插入剑鞘。在19世纪下半叶，大卫已成为当时法国的象征。1870年在普法战争中受重创的法国视大卫形象为“希望”，以此期望有一天能战胜比自己强大的对手。
07/11453
弗雷德里克莱顿(1830-1896)与巨蟒搏斗的运动员，1877年青铜，茶色锈
52x35.5x40厘米
签名、日期和编号：F.Leighton1877XXIX(基座右侧)铸造印章：PUBbyErnesBrown&PhillipsattheLeicesterGalleries,LeicesterSquare,London(基座后侧)
弗雷德里克莱顿是英国19世纪唯美主义画派最著名的画家，在英国绘画史上享誉极高，以极其辉煌的艺术风格成为了英国皇家学院派的代名词。1878年莱顿担任英国皇家美术学院院长，人们一致公认他的学识、气质、能力和责任感极高，是出色的领袖人物。他在那个时代可称得上是一个完美的人，博得了所有人的拥护。莱顿热衷于古代神话圣经的题材，追求恬静、和谐、典雅的样式，画风甜美、抒情，造型柔和、色彩饱满、刻画细腻。而同时，他也创作雕塑作品，他制作小型的雕塑来作为绘画创作的辅
4助，但据说他的很多朋友都鼓励他创作大型的雕塑。
这件《与巨蟒搏斗的运动员》是莱顿个人艺术生涯里和英国雕塑史上最重要的作品之一，被认为是引发了英国的新雕塑运动的伟大的雕塑。莱顿1874年开始为这件作品画速写，但是直到1876年才制成了它的青铜件。作品中具有强烈的现实性和完美的细节表达，可以明显辨别出作品与古典雕塑《拉奥孔》中拉奥孔和巨蟒的关联。但莱顿的这件作品的力量和勇猛来自于当时法国雕塑的影响，同时还有佛罗伦萨文艺复兴的影响。1878年，此作在巴黎世界博览会展出，并赢得了金奖。
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纪尧姆西涅克（1870-1924）宁芙女神布面油画
145x82厘米（无框），175x112x12厘米（带框）签名：G-SEIGNAC（右下）
法国画家纪尧姆西涅克1870年生于雷恩，卒于1924年。他在巴黎的朱利安美术学院接受了艺术技巧的训练，老师包括当时最有影响力的艺术家之一威廉阿道夫布格罗。布格罗给了他艺术创作上最深刻的影响。西涅克的作品带有意大利文艺复兴时期
大师的印记，以理想美为最高准则，追求古典世界中的均衡与尺度，以便达到在画面色彩与线条的平衡与和谐。他在处理织物上也延续着古典与文艺复兴的传统，他所绘制的衣物质感轻薄透明，可以让我们看到缥缈的薄纱所覆盖的身体，强调出画面的形式与情色意味。
这件《宁芙女神》的表现风格属于法国学院派，1902年它在巴黎沙龙展出后，获得了批评界的一致好评，并对作品在女性身体写实而又完美的表现上大力赞赏。宁芙源于希腊神话，泛指居住在山林、原野、泉水、大海等地的自然女神，也会被视为一种妖精。在艺术作品中，宁芙多以美丽女子的形象出现，有时会化身为树、水和山等自然之物。一般而言，宁芙的声音优美动听，所以她们的歌声和话语可能被误以为是和风吹拂树林的沙沙声，或是泉水落石的潺潺声。宁芙的舞姿优雅曼妙，只有少数幸运儿能够将目睹宁芙跳舞迎接春天的景象记录下来。
09/10253
威廉阿道夫布格罗(1825-1905)纯真，1893年布面油画
100.3x52.7厘米(无框)，119.3x72x7.2厘米(带框)签名：W-BOUGUEREAU(左下)
威廉阿道夫布格罗是19世纪末法国忠实于学院派艺术典范与传统的艺术家之一。布格罗一生坚持唯美主义的学院派风格，艺术创作总体倾向是，在感伤的情绪中包含着对幸福生活的追求和对美好人性的歌颂。他的作品是对古代希腊罗马和基督教
古典主题的现代诠释。布格罗的绘画技法高超，品质惊人，对所有的细节刻画得无微不至，作品很受当时人的欣赏。他的画作里的女性形象非常恬美，背景环境多为乡间丛林，宁逸静瑟，人物很有表现力。虽然画面非常平静，却能够凭借微妙的张力紧紧地抓住观众。
我们从这幅曾于1894年在沙龙展出的《纯真》中就可以发现上述布格罗作品的特质：虽然人物没有圣人的光环，却被赋予了宗教的圣神情感。艺术家虽没有明确表示，但从画中女子右手环抱婴儿、左臂托着羊羔的景象看，作品脱胎于圣母与圣子原型，只是多了世俗的气息和现代的情调。身穿长裙头戴玛利亚头纱的母亲托抱婴儿的姿态与圣母怀抱圣婴的传统姿势非常类似，让观者瞬息间感受到画面表现的是深沉博大的母爱，照在母亲身上的光线好像就是圣母玛利亚化身而来的神性光芒的指引，满载抚慰
5的力量。沉睡的婴儿给画面带来了某种可敬的氛围，是生命本身的可敬。布格罗通过细腻传神的刻画，把神性的爱和世俗的爱完美的融合在画面中，给人以温暖、感动。
10/3069
弗雷德里克古德尔(1822-1904)FrederikGoodall发现摩西，1885年布面油画
152.4x114.2厘米(无框)；173x134.5x7.5厘米(带框)花体签名和日期：1885(右下)
英国艺术家弗雷德里克古德尔出生于英国的一个艺术世家。由于父亲的引导，古德尔进入了艺术的
世界。他对描绘圣经中的场景很感兴趣，曾两次游历埃及，和贝都因人一起旅行、宿营。为了在绘画中提供真实可信的细节，古德尔还曾从埃及带回绵羊和山羊作为参考。他作品中最突出的题材就是关于埃及的主题。作品取材于《圣经旧约》的《出埃及记》。以色列人迁移到埃及，并在那里繁衍生息。这使得埃及的法老王坐卧不宁，以至于制订了“希伯来人一旦生了男孩，就得丢进河里去喂鱼”的法律。有一对以色列夫妇生了男孩不忍心丢弃，便把他装进一只涂了沥青的草篮里，放到河边的芦苇丛中听天由命。有位好心肠的埃及公主捡到这条小生命，并收养了他，为他取名“摩西”。摩西受耶和华之命，率领被奴役的希伯来人逃离古埃及前往一块富饶的应许之地。希伯来人在摩西的带领下，摆脱了奴役的悲惨生活，学会遵守犹太十诫，并成为历史上首个尊奉单一神宗教的民族。但在经历40多年的艰难跋涉之后，摩西却在就要到达目的地的时候去世了。在这件作品中，画家以“发现摩西”为主题，向我们展现了一个英国人眼中的充满异国风情而又别具田园气息的埃及建筑、植物、摆设及个人装饰。
11/10518
让-莱昂热罗姆(1824-1904)酒神的女祭司与爱神，1897年抛光青铜，墨绿锈95.5x33.5x32.5厘米
签名：J.L.GEROME(基座，左侧)编号：X793(基座后部边缘)
铸造印章：SIOTPARIS(基座后部)
让莱昂热罗姆是法国19世纪的著名画家和雕塑家，他的艺术教育虽然出自学院体系，但他并不是一个正统的学院画家。表面上热罗姆是新古典主义的继承者，实际上他是浪漫主义的热衷者，并参与了当时很多的艺术运动。热罗姆曾远赴埃及和近东旅行，也曾穿过西奈沙漠。东方文化留给他深刻的印象，他对东方文化发生浓厚的兴趣，并因此画了许多描绘埃及和近东风土人情的作品。他的作品在古典主义的严谨之中所表现的强烈的东方情调及异国气氛，又让人感到了他的浪漫主义倾向。
由于热罗姆热爱描绘历史和神话故事，他的作品带有特殊的图像学特征。受到当时考古发现的启发，
6他对于古典雕塑有了自己新的解读并运用不同材料或铜锈的组合创作了彩色的雕塑作品。这件《酒神的女祭司与爱神》表现了迈纳德的形象，迈纳德是希腊神话中酒神的侍女，是酒神的最重要的随从。在神话中，她们往往被描绘成经常处于酒醉和疯狂舞蹈状态的人，又称“迈纳德的狂女”。另有传说，象征本能的酒神和生育之神狄俄尼索斯在底比斯确立自己的宗教，使信徒放纵狂欢。在酒神节狂欢的时候，那些追随与崇拜酒神狄俄倪索斯的信女们，狂欢行列中疾呼行走，她们头戴常青藤编的、象征酒神的花环，身披兽衣，手持节杖，在清脆的长笛声和低沉的羯鼓声中，尽情的欢饮。
12/11457
乔万尼马里亚本佐尼（1809-1873）蒙面纱的利百加，1871大理石
155x62x42厘米
签名和日期：G.M.Benzonif.Romaa.1871（基座，左侧）
乔万尼马里亚本佐尼是意大利新古典主义雕塑家。他曾在洛韦雷美术学院学习，师从朱塞佩法布里斯，也曾受到彼得罗泰内拉尼风格的影响。
本佐尼最著名的作品是这件《蒙面纱的利百加》。利百加是《圣经》中以撒的妻子、孪生兄弟以扫和雅各布的母亲，以美貌、好客和谦逊著称。“利百加”这名字的意思，是“以美迷人”，或是“讨人喜爱的”。亚伯拉罕年老时差遣忠心的老仆人回到家乡找一个本族的姑娘作为以撒的妻子，并要求这姑娘必须心地善良宽厚，精于持家之道，还能在农场上帮上手。老仆人顺着主人走过的线路到了故乡吾珥。一天傍晚，他在井边遇到了年轻活泼的美丽姑娘利百加，老仆在说明来意后顺利说服利百佳成为以撒的妻子。这件作品表现的是利百加蒙着面纱，正等待着被介绍给将来的丈夫以撒时的样子。艺术家在这里通过面纱来表现人物的天真和纯洁，同时，高超的技艺又让她的身体显露出来，可以让我们看到她那贞洁的身躯和羞涩的面庞。这件作品的面纱让人想起加埃塔诺卡拉尼现位于米兰王宫的大理石雕刻作品《女像柱》。
13/10726
查尔斯萨默斯（1825-1878）坐着的路得，1899大理石
94.5x37.8x54厘米
签名和日期：SUMMERSf.ROME1899（基座右侧）
查尔斯萨默斯是一位出生于英国的澳大利亚雕塑家。他家境贫寒，曾做过石匠，并显示出雕刻方面的天赋。萨默斯在亨利威克斯位于伦敦的工作室工作过一段时间，后
进入皇家美术学院学习深造。他愿意从其他艺术家的作品中学习益处，作品中很少有一成不变的特征，而这对于维多利亚早期的艺术产生了很好的影响。他是1856年成立的维多利亚艺术协会的创始者之一。
路得的故事出自《圣经旧约》的《路得记》。从前的士师时代,伯利恒地方发生了灾荒,一对犹太夫妇带着两个儿子逃荒到了摩押国。后来男人们都死了，剩下老少两代三个寡妇。婆婆劝两个媳妇回娘家去，另外嫁人。大儿媳听从了，但小儿媳路得却不愿离去，她对婆婆说，你走到哪里我就跟到哪里，除了死
7亡，谁也无法把你和我分开。婆媳二人回到伯利恒，相依为命。收麦季节路得到田里去拾麦穗，田主波阿斯特别照顾路得，在休息时让她同自己手下的人一道吃饭、喝水，并让人专门撒一些麦子在田里让路得拾去。婆婆知道这件事后，就让路得再嫁给波阿斯。波阿斯娶路得为妻，他们生下一个儿子，他就是后来以色列国王大卫的祖父。这件作品的一个大理石版本以及萨默斯三个类似的雕像《谦逊》、《利百加》、《苏珊娜》以及乔万尼马里亚本佐尼设计的非常出色的大理石作品《逃离庞贝》都是为澳大利亚巴勒拉特植物园的雕塑馆而作。
14/10578
保罗迪布瓦（1827-1905）慈爱，约1876年青铜，棕绿锈95.2x37.9x51厘米
签名：P.DUBOIS（后座）编号：118（基座右边缘）铸造印章和编号：F.BARBEDIENNE,FondeurParis（基座右边缘）REDUCTIONMCANIQUE-A.COLLAS（基座后部边缘）
保罗迪布瓦是一个重要的法国画家和雕塑家。迪布瓦出生于塞纳河畔诺让，年少时学习法律以取悦家人，学习艺术以取悦自己。而最终，他选择了艺术之路，进入阿曼德图森特的画室，成为安格尔的徒孙。作为雕塑家，迪布瓦在意大利学习雕刻技法并且承袭了很多意大利文艺复兴时期大师的信条。当他的个人风格逐渐强烈以后，早期作品中出现的意大利影响便开始逐渐淡化。他对艺术的推动获得了当时人们的认可。
迪布瓦的著名作品之一即《慈爱》，它原本属于一组四件的寓言作品雕塑之一：《慈爱》、《信仰》、《沉思》与《勇气》。这组作品是艺术家为了装饰位于法国南特大教堂的拉摩里西尔将军墓而创作的。这个陵墓以不同形状的大理石雕刻塑造而成，表现了一个身着披风躺在灵柩台上的已故将军的形象。《慈爱》很明显地受到了米开朗琪罗的名作《布鲁日圣母》的启发，并因这个寓言而在表述中为圣母加入了庄重感。然而，为了保持其现实的外表，作品又呈现出现代主义的母性表达方式。与一般的圣母或理想化的母亲形象不同的是，这件作品的人物不是虚弱而感伤的，它呈现出的是一个坚强的、勇敢无畏的人类母亲的形象。
15/10866
让-巴普蒂斯特克莱桑热(1814-1883)克娄巴特拉青铜，绿锈26.5x91x49.5厘米
签名:J.CLESINGER(床前，左侧)
铸造印章：MAISONMARNYHAC1.RuedelaPaix（床后，右侧）
让-巴普蒂斯特奥古斯特克莱桑热是19世纪法国雕塑家和画家。他的父亲也是一名雕塑家，很早
就开始训练他的艺术能力。克莱桑热在著名的作曲家肖邦去世后，翻制了他死后的面容和手部。
《克娄巴特拉》是19世纪最具争议的雕塑之一。1847年，让巴普蒂斯特克莱桑热在沙龙展出
了这件作品的前身《被蛇咬的女人》，并因作品中的情色意味而引起艺术界的轰动。雕像以雕塑家的情人，也是当时最有名的高级妓女之一阿波罗尼萨巴蒂尔作为模特进行原大创作。雕像中女子的服饰具有明显的古代意味。克娄巴特拉就是著名的“埃及艳后”，她是古埃及托勒密王朝的最后一任法老，以美貌、
8聪慧、豪华的宴乐及爱情而闻名于世。传闻克娄巴特拉有惊世骇俗的绝美容貌，古罗马的“三巨头”恺撒、安东尼、屋大维都曾与她发生情感纠葛。在安东尼的庇护下，克娄巴特拉的王位得到了稳固。但在公元前31年，亚克兴海战失利后，被屋大维囚禁的克娄巴特拉面对战争失败和安东尼的死，宁可自尽也不愿受到屋大维的侮辱。她把自己关在早就建好的墓穴里，被藏在水果篮中的毒蛇咬死。18/10082
马蒂兰莫罗(1822-1912)爱侣大理石
96.3x44.5x40.5厘米
签名：MATHURINMOREAU(基座右侧)
马蒂兰莫罗是法国学院派风格的雕塑家。他生于法国第戎，最初跟随父亲进行艺术方面的学习。19岁时，莫罗进入美术学院深造，曾获得1897年的沙龙金奖。莫罗担任过法国第19区的市长，1912年此地以他的名字命名了一条街道。莫罗的这件作品似乎受到了希腊作家隆哥的影响，取材于隆哥所著的一部浪漫的乡村小说《达佛涅斯和克洛伊》。达佛涅斯和克洛伊是古希腊田园传奇中被后人视为楷模的天真无邪的情侣，他们是一对相亲相爱的青年牧羊人和牧羊女，从小被遗弃在莱斯博士岛上，被善良的老牧人抚养成人。达佛涅斯和克洛伊在风景秀丽的山野中相爱，一群海盗突然出现劫走了美丽的克洛伊，达佛涅斯痛苦万分，向牧神祈祷后得到牧神的帮助，从海盗手中夺回了心爱的克洛伊。随着时间的流逝，这对小情侣纯真的感情变成了全然的、热烈的爱，最终两个人结为夫妻幸福的生活在了一起。这个故事用象征的手法表达人们渴望的真爱的价值。小说《达佛涅斯和克洛伊》曾多次印刷，故事主题影响了很多艺术家，成为他们的灵感来源，就像我们能在这件雕塑中欣赏到的那样。
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路易恩斯特巴里亚斯（1841-1905）自然在科学面前除去面纱抛光青铜，铜锈59.5x25x18.5厘米
签名：E.Barrias（基座右侧）
基金会标识：SusseFres.Edtrs.P.（基座左边，左侧），SUSSEFRERESEDITEURSdePARIS（基座左边，左侧）
路易恩斯特巴里亚斯是一位法国雕塑家。他生于法国一个艺术家庭，父亲与哥哥都是画家。路易最初从事绘画，但是后来改习雕塑方向。1858年他进入巴黎国家高等美术学院，与梅西耶同个导师。巴里亚斯的作品承袭了卡尔波的浪漫现实主义风格，跨越了新古典主义、现实主义和新艺术运动。
这件《自然在科学面前除去面纱》表现了“自然”正掀去垂直于后背的长长的面纱，向“科学”展露她身体的秘密的样子。这是一件非常重要的雕塑作品，因为它的“现代性”而倍受关注，被认为是新艺术运动的先声。从哥白尼开始，欧洲进入了一个科学革命的时期，牛顿、伽利略等一个个人物登上了历史舞台，不同的领域随之发生了翻天覆地的变化。旧有的范式不断受到怀疑乃至抛弃，新的学科及分
9支学科纷纷建立。新的科学研究方法是把实验和批判性观察作为知识的基础和对知识的最终检验。任何具有足够才智和勇气的人都能自己撩起科学女神神秘的面纱，而不必其听信教士们的话了。新科学的方法竖立了人们揭开自然奥秘的信心，鼓足了人类战胜自然从而成为自己命运主宰的勇气。24/10247
夏尔约瑟夫弗雷德里克苏拉克鲁瓦（1825-1879）CharlesJosephFrédéricSoulacroix骑士之吻布面油画
98.4x66厘米（无框），118.7x89.7x7厘米（带框）签名：F.SoulacroixFlorence（右下）
法国艺术家夏尔约瑟夫弗雷德里克苏拉克鲁瓦在20岁左右进入美术学院学
习，他最初研习的是雕塑方向，这让他对人体的空间感有了更好的理解，并应用在其绘画中。苏拉克鲁瓦旅行至杜塞尔多夫时，进入学院跟随当时最著名的风俗画家之一彼得冯科尔内留斯学习。在科尔内留斯的强烈影响下，他的绘画日趋成熟，技艺日显精湛。
苏拉克鲁瓦的作品主取材于法国中产阶级，最经常表现的主题是：18世纪带有浪漫色彩的风俗场景，以宁静典雅吸引现代的观众。他创造出一种描绘轻浮女人的特殊风格。这件作品中表现骑士轻吻女士的玉手，人物在画面中占据同等的地位，传达给观者一个渴望得到却不能触及的虚幻童话。地毯、装饰雕塑、背景墙上的画作凸显了人物高贵的身份地位。苏拉克鲁瓦对人物的表情刻画细致，绅士虔诚亲吻女子的手时女子脸上微妙而自得的笑容彰显了女子内心的波动。画家在微小处突显了他对细节，如房屋的装饰、大理石以及帷帐描绘的卓越的技巧。画家在女士华服、家具装饰与装饰织物的丰富质感上颇下功夫。源自于他对这些绚丽的室内场景的熟练展现使得他的作品具有很强的说服力。
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查尔斯爱德华佩鲁吉尼(1829-1918)CharlesEdwardPerugini多想碰一碰那消失了的手，听一听那静寂了的嗓音！1900年布面油画70.3x54.8cm花体签名：(右下)
题词:WARFUND1900C.E.PERUGINI(左下)
查尔斯卡洛爱德华佩鲁吉尼出生于意大利那不勒斯，是英国维多利亚时代的画家。画家八岁时，
全家移居到英格兰，直至17岁他都和家人一起在英国生活。在罗马游历期间，佩鲁吉尼与画家及雕塑家弗雷德里克莱顿相识，并在莱顿的影响下成为新古典主义风格的描绘古典场景的画家。之后，他转向了更有收益的描绘美丽女人和儿童的肖像画和世俗画。佩鲁吉尼的妻子是与著名作家查尔斯狄更斯的女儿凯特。婚后，凯特也开始追求自己的艺术事业，还经常与丈夫合作。夫妻两人是那个时代艺术圈中的活跃分子。
这幅作品是一幅与文学和象征主义息息相关的浪漫派作品。在创作这幅作品时，佩鲁吉尼的灵
感及画作题目来自于阿尔弗雷德丁尼生著名的诗篇《冲激，冲激，冲激》中的两行诗句。佩鲁吉尼并没
10有在作品中表达悲伤和绝望的这种强烈的感情，而将这两行诗句转化为一个私密、感性、沉思的场景。靠垫、窗帘和精致的礼服是佩鲁吉尼惯常使用的表现手法。
让巴普蒂斯特卡尔波（1827-1875）28/10539持贝壳的小女孩青铜，棕色铜锈
99.8x49.5x53.5厘米
签名：Carpeaux（基座前部，右侧）
29/30439持贝壳的那不勒斯渔童青铜，棕色铜锈
90.5x49.5x54.5厘米
让巴普帝斯蒂卡尔波是一位现实主义雕刻家。像很多同时代的艺术家一样，卡尔波来自于工人阶层。他受益于政府资助的绘画课程。凭借艺术天赋，卡尔波进入国立高等美术学院学习，并获得罗马大奖而前往意大利深造，并成为吕德的学生，但在19世纪中期，他的作品即表现出了反学院派的倾向。卡尔波的艺术形象力求真实性和青春的生命力表现。他是运用表情语言和人体语言的高手，能大胆构图，不受传统雕塑规范的局限，为罗丹的艺术创作踏出了一条新的现实主义表现的路子。
在罗马停留期间，卡尔波构思并创作了作品《持贝壳的那不勒斯渔童》，批评家保尔曼茨评价这件作品，称其反映出对于现实人物忠实的研究，但是年轻人脸上的笑容并不那么亲切。从这件作品开始，卡尔波塑造的人物微笑变成了一个特色。学院派批评家认为这件作品表现了对现实的歌颂，但是缺乏高贵。完成这件作品六年后，卡尔波创作了与之配对的作品《持贝壳的小女孩》。1873年，这两件作品被重新创作，包括人物头上加的捕鱼帽。一对人物放置在一起，可以看出，女孩这件属于早期的版本，而男孩的晚些。
31/30789威廉亨利莱因哈特（1825-1874）沉睡的儿童，1859年制模，1869年翻制大理石
37x94.5x49厘米
签名和日期：W.M.H.RINEHARTSCULPTROM1869（基座左边，右侧）
威廉亨利莱因哈特是美国著名的新古典主义雕塑家，作品多数为人物雕塑。他同时活跃在美国和意大利两地，被认为是“美国最后一个重要的古典风格雕塑家”。莱因哈特出生在马里兰，曾求学于意大利。回国后，他在巴尔的摩创立了工作室，创作了大量的胸像和雕塑。1858年，他移居罗马，并在罗马度过了余生。
1859年莱因哈特用雕刻装饰了西森孩子们的墓地，西森是他在巴尔的摩的朋友和客户。由于利迪娅西歌尼的一首“不是死亡，而是熟睡”诗歌的流行，莱因哈特怀着朋友的孩子们能从死亡中苏醒过来的美好愿望，创作了表现两个相拥入眠的孩子形象的雕像。这座石雕置于孩子在巴尔的摩的绿山公墓中的墓地之上。石雕栩栩如生的形象及莱因哈特娴熟的雕刻技艺，都为他带来很高的声誉。关于这件雕像的
11创作过程有两种说法，一种是莱因哈特在朋友孩子午睡的时候画了草图，还有一种是他用了画家朋友的素描稿做参考。由于婴儿夭折的情况在那个时代相当普遍，为孩子建造墓碑的行为很流行。然而雕像中的孩子们睡得那么的甜美和安详，使人们赞叹、欣赏乃至忘却了为怀念逝者所创作的初衷。
33/30604恩里科巴尔贝里(1850-1941)
男童雪花石膏
61.5x31.7x42.3厘米
签名：E.Barberi(基座，右侧)
34/30605费迪南多维希（活跃于1861年)
女童雪花石膏
60x34x43厘米
签名：F.VichiFirenze(基座，左侧边缘)
《男童》的作者恩里科巴尔贝里是来自博洛尼亚的意大利雕塑家，他曾在博洛尼亚美术学院学习，并接受萨尔维诺萨尔维尼的指导。后来，巴尔贝里转移至佛罗伦萨进一步学习，在乔万尼迪普雷的工作室精炼了技巧。巴尔贝里的作品主题主要是宗
教方面的，而经常使用的材料是雪花石膏。
而创作《女童》的意大利雕塑家费迪南多维希在19世纪活跃于佛罗伦萨。1861年维希参与了当地艺术家的雪花石膏雕塑展览，1898年又参加了为佛罗伦萨圣十字教堂建造的意大利作曲家乔阿基诺罗西尼的纪念像的比赛。维希属于意大利现实主义雕塑运动的一员，追求表现在创作中回溯社会的或自然的主题。
《女童》姿态随意的坐在石台上，略大的连衣裙左侧的袖子滑下了肩膀。她一手执碗，一手托腮，脸庞下倾，似在发呆，似在思考。而《男童》坐姿与女孩相仿，他的衬衫也有些过大，领口敞开，右侧的肩膀已经露出。他盯着自己摊开的右手，想在思考什么世界难题。虽然创作《男童》和《女童》的雕塑家不同，但这两件作品是如此相配，似乎冥冥中有什么在指引他们创作。
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路易埃米尔阿丹（1839-1937）LouismileAdan鸟巢布面油画
54.6x73.7厘米
签名：L.mileAdan（右下）
路易埃米尔阿丹是19世纪法国最重要的风景画家之一，他曾在巴
黎美术学院学习艺术技巧。在19世纪五十年代早期，一群艺术家热衷于描绘在自然环境中的农民形象，作为领袖人物米勒的朋友，阿丹也是其中的一员。此外，他还是法国水彩画家协会最活跃的成员。他不仅经常在那里展出作品，还被称赞为这个领域作品最精致，技巧最高超的艺术家之一。
阿丹的作品结合了深沉的、几乎带有宗教性的巴比松画派的现实主义和他作为水彩画家和插图画
12家日益增长的轶事性与文学性；他的作品中提供了这样一种表现充满感情的私密情景的可能性，即概括地表现女人与儿童的动作，而精细地刻画风景。这幅《鸟巢》表现了一对青梅竹马两小无猜的少年在田野间玩耍的景象。画面氛围平静安详，无论是两个孩子还是背景中的山羊都悠然自得，女孩低头看着男孩手中捧着小小的鸟巢，男孩则小心翼翼，似乎是怕惊动了巢中的小鸟。孩子们认真的表情让观画者也不禁屏住了呼吸，唯恐吓到了孩子和小鸟：“嘘！”小声些
二、“生命的维度”部分：雕塑16绘画4
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奥诺雷杜米埃(1808-1879)移民，1850年青铜
35.6x75.2x9厘米
签名：H.Daumier(右下)
铸造印章：GeorgesRudier.FondeurParis（基座左下方边缘）Epreuved’essaiCireperdue（基座右下方边缘）
奥诺雷杜米埃是法国19世纪最伟大的现实主义讽刺画大师，他是其所处时代中对于法国社会生活观察最敏锐的人之一，并且将这一切表现在他的绘画、雕塑、版画或者他著名的漫画中。杜米埃的艺术生涯始终与法国的现实主义相联系，他运用现实主义和浪漫主义相结合的艺术语言，塑造自己独特的艺术形象。杜米埃的政治和历史漫画讽刺了政客和自以为重要的中产阶级。在绘画、雕塑、版画三种媒介中，杜米埃都通过人物面部表情和手势来刻画人物。他的大量讽刺作品可称之为“没落阶级集体形象的辞典”。他在漫画中创造的小人物以充满力量、表情扭曲为特点。
目前我们还不清楚为什么作者如此命名这件浮雕作品：从作品中我们只看到一组男人、女人和孩子赤裸着身体携带着行李低着头行进的景象，找不到能够解释人物的细节或者明确地点标示，但是在这件雕塑中动态的戏剧性十分明显。现在有些专家仍然在怀疑杜米埃以此特指某个特殊的事件。不过，由于人物被剥夺的感觉和悲伤情绪表达得十分清晰，这让直接的特指变得不那么必要了。
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路易-利奥波德尚巴尔(1811-1895)伐木者，拉封丹的寓言青铜，棕绿锈86.5x31x29.5厘米
题词:LEBUCHERONFABLEDELAFONTAINE（饰板，基座前边沿）
路易-利奥波德尚巴尔是一位法国雕刻家。他曾就学于巴黎美术学院，师从著名画家让-奥古斯特多米尼克安格尔及雕塑家皮埃尔-让大卫德安格尔。1837年，尚巴尔赴意大利学
习深造。学成之时他回到了巴黎，委托他创作的要求纷至沓来。
《伐木者，拉封丹的寓言》这件作品取材于拉封丹的寓言故事：一个樵夫丢失了他的斧子，于是向神求助，这时墨丘里奥拿出三把斧子，金斧、银斧和木斧，并让他从中找出自己的那把。樵夫认出并取走了自己的木头斧子，而墨丘里奥为了奖赏他的诚实，将三把斧子都送给了他。在这件雕塑中，樵夫
13只是一个劳动者，他正在试图将木桩劈开。樵夫寻找的不是财富，而仅仅是一件适合自己的劳动工具，劳动者的形象经过了故事的衬托显得更加高大。他的这种思想品德在拉封丹的另一个寓言中也有所体现，那个寓言讲的是一位年纪老迈的樵夫向死神请求足够的力量，使他能够继续他的工作。因而，樵夫的形象所代表的是一个诚实、单纯且热爱劳动的人。
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阿尔弗雷德吉尔伯特（1854-1934）
喜剧与悲剧：“这就是生活”，约1895年构思青铜，棕绿锈
75.5x33.1x25.7厘米
阿尔弗雷德吉尔伯特是一位热心于冶金创新实验的英国雕塑家和静物画家，他振兴了19世纪末的英国雕塑，是新雕塑运动的主要参与者。吉尔伯特的艺术教育大部分是在巴黎高等美术学院接受的；在罗马和佛罗伦萨，他研究了当地的文艺复兴的意义，并受到了佛罗伦萨画派风格的影响。阿尔弗雷德的雕像作品极其美丽，有当时新颖的处理方法和精细的设计：他的丰富的想像力和华美的装饰感是他的所有作品的主要特点，作品上常伴有文字，以此来表达艺术家的创作和创造性的过程。
《喜剧与悲剧：“这就是生活”》这件作品的灵感来源于剧作家吉尔伯特同名的作品《喜剧与悲剧》，雕塑表现了一个古典戏剧中的助手形象，在手持喜剧面具的时候被蜜蜂蛰到的情形：这个男孩拿着一个表情怪诞带有夸张笑容的面具，右脚单腿站立着，暗示着左边的小腿被蜜蜂蛰到了。雕塑不稳定、不平衡的的结构和扭转的动态使人想起样式主义艺术家詹博隆那的作品《阿波罗》。此作是吉尔伯特自传性青铜三部曲的高潮，这组作品传达的信息很直接：当世界看到一个成功而令人满意的雕塑家出现时，其成就背后的生活其实充满了职业上、家庭上和财务上的困难。
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艾梅-朱尔达卢(1838-1902)伟大的农民青铜，棕锈61x21x20.5厘米
签名：DALOU（石头后侧）
铸造印章：SUSSEFRERESEDITEURSdePARIS（基座后部，右侧）
法国雕刻家艾梅-朱尔达卢对英国“新雕塑”的影响至关重要。他出生于一个制作并贩卖手套的工
匠家庭，1852年，他跟随让-巴蒂斯特卡尔波学习雕塑技巧，并和奥古斯特罗丹成为了朋友。雕塑家达卢只对他的邻居、工人和农民这些创作对象感兴趣，通过自己的双手把他们变成与历史、神话或宗教无关的单纯的作品形象。他对共和党的观点深表赞同并积极参加了巴黎公社的运动，革命失败后，他携家人被迫流亡到英格兰，并由老友画家、蚀刻家阿方斯勒格罗介绍创作了一系列的农民主题和英国贵族的系列肖像。他去世后葬在蒙帕纳斯公墓。
这件铜铸作品《伟大的农民》是达卢在1898年至1899年间创作的，是他最具象征意义的作品
之一。雕塑采用了极简的手法抓住了农民一瞬间的神态，他在劳作的间隙作短暂休整，正一边挽起袖管
14一边牢牢地盯着土地，似乎正在积蓄更大的力量准备继续投入劳作。在这位农民坚毅的面容上没有显现丝毫犯难退缩的意味。作品想要展现的是劳动的内在尊严，而达卢的表现手法更展现了农民与土地之间千丝万缕的联系。
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阿尔弗雷德布歇（1850-1934）冲向目标！1886青铜，黑色铜锈104x143x84厘米
签名：A.BOUCHER（基座右侧）编号：253M（基座左侧）
基金会标识：SIOTPARIS（基座左边）
布歇在作品中融入现代主题而又不破坏传统准则，他的农民题材的雕塑高度写实，这让他在他所处的时代获得了高度的赞誉。但是，像很多同时代的艺术家一样，他也深刻地受到文艺复兴时期佛罗伦萨艺术的影响。布歇曾旅居佛罗伦萨，在那之前，他把克洛代尔和其他学生们交给奥古斯特罗丹，嘱咐他们接受他的指导。由此，罗丹和克洛代尔相识，开始了他们的一段孽缘。
我们可以在布歇的这件雕塑中看到布歇已经将自己作品中的现代与传统风格很好的融合起来。这件雕塑的独特之处在于三个奔跑者的动感，他们显现出在奔跑中不同时刻的不同姿态。布歇不仅非常写实地刻画了人物，而且可能受到了几乎同一时期摄影师爱德华麦布里奇和艾蒂安朱尔马雷研究人类动态的摄影的影响。它的题材来源于收藏在巴杰罗国家美术馆的詹博隆那的雕塑《墨丘利》，不过布歇将其改为日常生活的主题。法国政府定制了这件《冲向目标》的青铜翻制件，并于1887年在沙龙中展出了这件作品，布歇也因此获得了法国荣誉军团勋章。除了在形式方面的贡献，值得一提的是，这件作品还是艺术史上最初表现运动题材的作品之一。
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埃德加德加(1834-1917)EdgarDegas观察足部的舞者，1919-1921年青铜，棕锈
47.4x23.6x22厘米
签名：Degas（基座左侧）编号：59/B（基座右后侧）
铸造印章：CIREPERDUEA.A.HBRARD（基座右后侧）
著名的印象派画家、雕塑家埃德加德加生于法国巴黎。他富于创新的构图、细致的描绘和对动作的透彻表达使他成为19世纪晚期现代艺术的大师之一。德加最著名的绘画主题是芭蕾舞演员以及赛马的题材。在19世纪八十年代德加的视力开始衰退后，他的创作转向对视力要求不高的雕塑和彩色蜡笔画。除了1881年在印象派展览中展出的著名的《十四岁的小舞者》，德加其他的雕塑作品都在1917年艺术家过世之后才被世人所知晓。雷诺阿认为德加是当时最伟大的雕塑家之一，而奥古斯特罗丹则认为其雕塑优于自己的作品。
这件《观察足部的舞者》是德加擅长的芭蕾舞演员题材作品。德加常常捕捉女性和动物的姿势、动态和神情，他在工作室里或者舞台的不同位置和情境下捕捉她们的姿态。艺术家在雕塑材料的使用方面是自学的，他用这种艺术形式仅仅是为了观察实验，从未公开展出。然而，一直持续地描绘人类的身体，加上对于日本版画、摄影、插图和平面设计的知识，让他得以构想出类似这件表现舞蹈中的不同姿态的
15十分引人注目的作品，所有这些作品都呈现出空间中瞬间的、片段似的、自发的人体形态，让观众获得了一种全新的视角。
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皮埃尔奥古斯特雷诺阿（1841-1919）Pierre-AugusteRenoir母与子，1885纸上色粉
92x74厘米（无框），107x87.5x6厘米（带框）签名：Renoir（右下）
雷诺阿的绘画作品能够描绘出迷人的感觉，从他的画作中很少感觉到苦痛或是宗教情怀，但常常能感受到家庭的温暖，如母亲或是长姐般的笑容。雷诺阿认为绘画的目的并不是科学性的分析光线，也不是巧心安排的布局，绘画是要带给观者愉悦，让绘画挂置的环境充满了画家想要的感觉。19世纪八十年代，雷诺阿开始对印象主义和室外工作的方式产生质疑，逐渐放弃专注在制造光影的呈现，而趋向于较平实的描绘，并结婚生子，安享于家庭和乐的气氛当中，开始关注古典题材和描绘人体，画出了许多迷人的亲情小品及很多裸体的女性，将柔软的视觉触感表现的栩栩如生。
1885年儿子皮埃尔的出生改变了雷诺阿对生活和艺术的看法，母爱成为18851886年反复出现在艺术家绘画中的主题。这件速写就是这一系列作品中的一件。它创作于1885年9月至10月间，全家人在画家的妻子沙里奥艾琳的家乡埃苏瓦停留的时候。雷诺阿通过理想化的情景来呈现母爱题材，把女性形象置于田园诗般的环境中，和谐和美好。画中艾琳头戴一顶稻草帽子端坐着，正在为6月大的儿子皮埃尔哺乳。“每个以母乳喂养孩子的女人都是拉斐尔笔下的圣母”，艺术家这样形容这个充满母性的场景。
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皮埃尔奥古斯特雷诺阿（1841-1919）和理查德吉诺（1890-1973）母与子，1916年构思青铜，棕色铜锈54.6x24.8x33厘米
签名：Renoir（基座左侧）R/G（基座背后）标记：HC（基座左边）
基金会标识：CIREPERDUEC.VALSUANI（基座左边）
法国印象派画家皮埃尔-奥古斯特雷诺阿，是在印象派中具有领导地位的人物之一。他出生于法国上维埃纳省利摩日一个工人阶级的家庭之中。1862年，雷诺阿前往巴黎，在查尔斯格莱尔门下开始学习美术。在那里，他结识了艾佛烈希斯里、弗雷德瑞克巴吉尔和克劳德莫奈。1913年，雷诺阿开始对雕塑产生兴趣，并尝试创着在助手卡塔兰理查德吉诺和后来的路易莫雷尔与马塞尔吉蒙的辅助下，实现对雕塑的创作。
雷诺阿与吉诺一起完成了大约14件圆雕和浅浮雕。雷诺阿的雕塑经常以他的油画或素描速写为蓝本，其中包括艺术家妻子艾琳哺育儿子皮埃尔的习作《母与子》，它是根据艺术家在第一个孩子出生后、1885年和1886年绘制的绘画而创作的。这件《母与子》是1916年雷诺阿和吉诺在埃苏瓦铸造的第一件作品的复制件。雷诺阿的爱妻艾琳在1915年去世后，艺术家曾计划为她在埃苏瓦的墓地树立一个纪念碑，纪念碑的创作主题是将她呈现为一个慈爱而勤勉的、作为妻子与母亲的女性。不过他最终并未以纪念碑
16的形式纪念艾琳，而是塑造了一尊她的青铜胸像代替纪念碑放置于埃苏瓦墓地。胸像的复制品放在这对夫妇曾居住多年的卡涅的家中花园内。
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保罗高更(1848-1903)PaulGauguin女性裸体立像青铜，墨绿锈版号：9/10
59.5x28x29厘米
签名：P.Gauguin（基座右侧）编号：9/10（基座后边沿）
铸造印章：CIREPERDUEC.VALSUANI（基座后边沿）
后印象派艺术家保罗高更是19世纪下半叶最重要的艺术家之一，他不仅热衷绘画，对雕塑也颇有兴趣。高更的作品趋向于“原始”的风格。其用色和线条都较为粗犷，作品中往往充满具象征性的物与人。高更不喜欢都市文明，反而向往蛮荒的生活，这些都在他的作品中看得出来。现代艺术史中，人们经常将高更与梵高并论，他们曾经是很好的朋友，互相画过对方的肖像，但最后却不论是在艺术道路还是朋友情分上都分道扬镳。
这件《女性裸体立像》是高更第一件后浪漫主义时期的作品，那时高更开始关注欧洲以外的文化，为“我们是谁”和“我们从哪里来”的永恒诘问寻求答案。人们普遍认为这件《女性裸体立像》创作于1894年左右，这个时间是艺术家结束首次塔希提岛之旅回到巴黎之后。但《保罗高更的雕塑与陶瓷》的作者克里斯托弗格雷根据这件作品形式上的特点和高更的轶事推论，注意到这个日期可能存在误差。格雷认为，虽然作品中表现的女人肤色是棕黑的，但是其体态和面部特征更像是欧洲人，而不是波利尼西亚人。同时，作品的设计和完成的风格更接近于高更从马提尼克岛回来以后，于1889年创作的雕塑《黑色维纳斯》。
59/10607
阿尔弗雷德布歇(1850-1934)沃吕比里斯大理石
66x42.8x30厘米
签名：A.BOUCHER（前左侧）
法国雕塑家阿尔弗雷德布歇是卡米耶克洛代尔的导师，也是奥古斯特罗丹的朋友。布歇曾旅居佛罗伦萨，并成为总统和皇室成员，如希腊国王乔治一世最喜欢的雕塑家。布歇因为作品中所表现的现实主义而受到批评家的赞赏。除了社会性的主题之外，他也创作了一系列诗意的、与自然和神话相关的佳作：如《沃吕比利斯》这类表现大理石中出现的女性躯干的雕塑。雕塑粗糙的底部材质和抛光的女性身体之间的对比十分强烈而新颖，但是这种“未完成”的方式让当时的批评家颇为困扰，认为这种与大理石直接的对比削弱了人物的柔和与高雅。
沃吕比利斯是年代久远的古罗马废墟。在公元1世纪，这里曾经是一座繁华的城市，整个城市呈现
17出一派欣欣向荣的景象。古罗马人在沃吕比利斯建立了定居点，并逐渐使其发展成为古罗马帝国在非洲当地的中心行政城市之一，负责生产并向古罗马帝国输出粮食。这里留有保存完好的凯旋门和剧场的白色石圆柱。甚至连古城的街道、居民住房、油磨房、公共浴室、市场等都依然清晰可见，这里还有许多镶嵌式的壁画。从废墟中还挖掘出大批制作精巧的青铜人像和大理石人头像。这件作品以这个城市的名字命名的缘故或许在此。
60/1046卡米耶毕沙罗（1830-1903）CamillePissarro巴黎塞纳河畔，安茹码头玛丽桥，约1875布面油画
50x64厘米（无框），65.8x80x6厘米（带框）签名：C.Pissarro（右下）
卡米耶毕沙罗是一位不被大众所熟知的法国印象派画家。他的画乍
看之下非常平凡，没有梵高的热情与忧郁，也没有高更的阳光和原始，但在沉默之中也有其自身的特色。毕沙罗是一位个性坚强，重视友情的印象派画家，他喜好写生，画了相当多的风景画，后期的作品是印象派中点彩画派的佳作。
这件作品可以与另一位画家阿尔芒吉约曼的《巴黎塞纳河畔，安茹码头玛丽桥》相比较。毕沙罗和吉约曼似乎都曾在通向塞纳河边的坡路高处、码头的下方支起画架，画面中都表现了十分相近的景物，比如沙堆、工人和用来运货的马车。但是，与吉约曼大尺幅的画面不同，毕沙罗省略了一部分建筑，把树木放在画面最左端，在前景处绘制了石围栏加强了画面水平线上左侧的空白，造成了一种不平衡的构图，令观者有种重心放在一只站在平地的脚上，而另一只脚斜倚着的错觉。画笔和抹刀表现了从淡粉色到褐色范围内的色调，而吉约曼则使用了更加饱和的从明黄到红色或深蓝作为主要色彩。可以说，这种不均衡的构图和运用色彩时对图像的仔细研究的倾向和方法，是毕沙罗和他的另一位好友保罗塞尚早19世纪七十年代中期的画作中就已使用的，正是他们这些具有伟大智识的严谨的艺术家，代表了印象主义运动的繁荣。
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奥古斯特罗丹(1840-1917)我很漂亮，1882年构思青铜，棕锈与绿锈69x31.5x33.5厘米签名：Rodin(石上左侧)
雕刻波德莱尔诗歌的第一部分：Jesuisbelle,mortels!commeunrêvedepierre,etmonsein,oùchacuns"estmeurtritouràtour,estfaitpourinspireraupoèteunamouréterneletmuetainsiquelamatière(基座前侧)
法国著名雕塑家奥古斯特罗丹1840年11月生于一个贫穷的基督教家庭。罗丹从小喜爱美术，其它功课却很糟糕。在姐姐玛丽的支持下，双亲把他送进巴黎美术工艺学校。1875年，罗丹游历意大利，深受米开朗基罗作品的启发，确立了现实主义的创作手法。他善于用丰富多样的绘画性手法塑造出神态生动富有力量的艺术形象。他绘制过许多别具风格的速写，并有《艺术论》传世。罗丹在欧洲雕塑史上的地位，正如诗人但丁在欧洲上的地位。他与他的两个学生马约尔和布德尔，被誉为欧洲雕刻的“三大支柱”。正如罗丹的很多作品那样，这件雕塑也是作为《地狱之门》的一部分而创作的。1880年左右，罗丹选中了文艺复兴时期大诗人但丁的长诗《神曲》中的“地狱篇”，塑造了著名的、规模浩繁的《地狱之
18门》群雕门饰。这组纪念碑式的艺术品，共塑造了186个痛苦的群体，其中有几尊形象后来发展成独立的群像，如《思想者》、《吻》等。这件作品的标题《我很漂亮》在雕塑创作之后才确定，来源于波德莱尔的《恶之花》中《美》这首诗的第一句这样的结合赋予了这件独立的雕塑以力量和意义。据信，罗丹对于皮革马利翁的神话颇有情感共鸣，他们同样将创造性赋予没有生命的、不能活动的材料，并同样能将内心世界赋予作品，表达人类存在之中的痛苦。
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奥古斯特罗丹(1840-1917)永恒之春，1898-1919年青铜，棕锈40x50.3x29.8厘米签名：Rodin(基座，后侧)
铸造印章：F.BARBEDIENNE,Fondeur(基座，左边沿)
对于现代人来说，罗丹是古典主义时期的最后一位雕刻家，又是现代主义时期的最初一位雕刻
家。他的一只脚留在古典派的庭院内，另一只脚却已迈过现代派的门坎儿。可以说，罗丹用他不为传统束缚的创造精神，为新时代打开了现代雕塑的大门，他的创作对欧洲近代雕塑的发展有较大影响。
罗丹的知名度在很大程度上归功于其创作的雕塑作品系列《地狱之门》。这组作品包含了丰富
的内容和复杂的雕塑手法，艺术家在进行创作时对每一个部位都精雕细琢，用他独特的方式进行创作并由此而衍生出无穷的变幻之感。罗丹通过《地狱之门》揭示了法国现实生活的悲剧。地狱之门可谓是罗丹一生中最有雄心、最为非凡的事业，历经37年，至死也未完成。这个系列雕塑中的人物并非处于同一场景中，每一个人物都仿佛置身于各自奇幻而又不可捉摸的空间内，罗丹在创作中为每一个人物赋予了独特的美学语言。《永恒的春天》是这组雕塑中的其中一件。罗丹根据所用材料的特质对此作的不同版本进行了改进，以使得雕塑的支撑部位足以承受整个雕塑的重量。在最初的版本中，男子的腿悬于空中，但在制作大理石及青铜材质的版本时，艺术家在男子的身后增加了岩石的雕塑作为支撑，从而使得整件作品更加稳定。
66/11611卡米耶克洛代尔(1864-1943)（CamilleClaudel）华尔兹舞曲，1895年构思青铜，棕锈版号：18/2546.5x35x20厘米
签名和日期：C.Claudel18Paris(基座，右侧)铸造印章：EugèneBlotFondeur(基座前侧)
法国女雕塑家、画家卡米耶克洛代尔出身于乡绅家庭。人们对她的了解往往只是出于她和罗丹复
杂的感情纠葛，但克洛代尔在艺术上的成就是我们无法忽视的。少女时代克洛代尔就已经跟随雕刻家阿尔弗雷德鲍彻开始了雕刻艺术的学习。1883年，她和奥古斯特罗丹相识，并在次年进入罗丹的工作室工作。从此，克罗代尔成为了罗丹的灵感之源：他的模特、知己和情人。在结束了和罗丹的情人关系之后，克罗代尔似乎患上了精神分裂症，在医院度过了晚年。克罗代尔的早期作品同罗丹的风格类似，但成熟期的作品则摆脱了罗丹，作品具有想象力、激情和装饰性质。
这件《华尔兹舞曲》是卡米耶克洛代尔最著名的作品之一。在这件作品中，一对情侣正在起舞，
他们的身体慵懒地交织在一起：艺术家用斜侧面的角度很好地捕捉了舞者的姿态。克洛代尔从1889年
19起就开始对这一主题进行创作，并创造了不同的版本。各版本之间的差别几乎微不可辨，但却能为观看者带来了不同的个人感受。在这件雕塑中克洛代尔让起舞的情侣不受重力的限制，捕捉住了他们的运动及失衡的形体。从象征意义的层面来看，作品表达了两个相爱灵魂的结合超越了物质的世界。《华尔兹舞曲》1893年在巴黎沙龙首次展出，评论家对这件作品表示了肯定的态度。
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皮埃尔博纳尔（1867-1947）Bonnard，Piere侧面站立的裸体，约1905布面油画
67.3x46.2厘米
签名：Bonnard（右上）
皮埃尔博纳尔是20世纪现代艺术流派纳比派的领导人。他曾在法兰西艺术院和朱利安学院学习绘画，早期从事广告和舞台美术设计，画风具有东方趣味。他在1889
年定居巴黎，主要创作油画和版画插图，作品多取材室内景、静物和裸体模特，画风受印象主义和新印象主义影响。博纳尔的画作之中充满着淘气、滑稽和柔情，既大胆又精细，得到世界各地的专家认可。
这件作品创作于1905年左右，是博纳尔在1903－1910年间创作的52件裸体作品之一。作品中的女性很可能是艺术家的妻子玛利亚布尔森，她也是博纳尔裸体画作中最常出现的形象。这个时期，艺术家更加近距离地表现模特，有时甚至将其放在前景作为整个构图的主体，推进视角以强调面部、姿态以及身体结构，力求表现对象形式上的立体感和体积感。1903－1910年是艺术家创作的成熟期，此时博纳尔不仅面对模特直接描绘其姿态，同时也留下很多速写和素描用以辅助记忆。可以说，博纳尔对于艺术形式的学习主要是通过与艺术家伙伴和友人的思想交流、旅行，到博物馆参观展览，以及日常绘画训练和对生活持续不断的观察中获得的。
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皮埃尔博纳尔(1867-1947)苏珊娜与长老，约1906年青铜，墨绿锈与棕锈版号：4/24
15.4x34.2x9厘米
铸造印章：CIREPERDUEC.VALSUANI(右侧边缘)
博纳尔身材高大，瘦削阴郁，性格内向，害羞怕人。他对外界的防范到了不信任他人的地步。他起初对自己的艺术道路也并不明确，但大众的实用艺术吸引了他。1891年前后，博纳尔和他的朋友们彼此以纳比相称，并建立了纳比派绘画小组，小组的成员被评论家们称为象征派画家。他们在独立派沙龙和布特维尔的勒巴尔小画廊崭露头角。在1901和1902年，博纳尔对雕塑产生了和绘画一样的兴趣，并开始了雕塑的创作。
这件《苏珊娜与长老》，也被称为《沐浴的苏珊娜》，它是博纳尔最初创作的10件左右的雕塑作品，采用老的蜡模法浇筑成青铜的手法制作而成。根据作品的名字，我们可以马上明了它的题材出自圣经《但以理书》。在圣经故事中，苏珊娜是一个美貌女子。她品性贞洁，虔信律法。两位士师长老，痴迷于苏珊娜的美，常常伺机偷窥。有一天，苏珊娜在自家花园准备沐浴时。两个长老跳出来施暴，苏珊娜坚拒
20不从。众人进园，两长老反诬她与人幽会。次日在公审中，苏珊娜被叛死刑。年轻的先知但以理得到神启，为之鸣冤，挽救了苏珊娜的生命，说谎的长老被处死。博纳尔的作品似乎是自发性的印象主义创作，它让我们可以跳过对故事背景的解读而把它当做是艺术家个人的艺术语言。
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阿里斯蒂德马约尔(1861-1944)年轻女性的躯干，约1900年青铜，墨绿锈版号：4/6
66.5x31.5x21.5厘米
画押签名与编号：4/6（基座后部，右侧）
铸造印章：E.GodardFondeurParis（基座后方，左侧）
阿里斯蒂德马约尔是20世纪上半叶最重要的雕塑家之一。他早年在巴黎高等美术
学校学画。最初从事织锦画设计，画风有高更的特点。视力减退后马约尔转向雕塑创作。最初，他的作品形制很小，但是随着时间的推移，纪念碑性的作品占据了主流。马约尔特别注重体积感和厚重感，造型语言洗练、概括，在庄重沉静中表现出一种紧迫感和力度。他是一位善于刻画女性美的艺术家，作品充分展示了裸体所具有的无限魅力：乳房丰满、腹部结实、大腿粗壮、头发浓密，完全不是那种苗条纤弱的女性形象，充满了健康的美感。作者并没有十分细腻地刻画出肌肉的纹路，而是用大弧度转折的体面，加上自然光线的照射，显示肌肉富有弹性的力量，整个人体线条粗犷而流畅。在他的手下，人体被赋予了如此丰富和广阔的含义，象征了人的精神世界和充满了生命的活的自然。
他早期从纳比派那里学习人体的表现方法：以一种人为的纯化的形象，表达一种世纪之交的秩序感，以此区别奥古斯特罗丹悲剧性的激情的表现形式。马约尔的人体和女性躯干具有一种古典建筑的结构，既坚实又优美，用他的朋友莫里斯丹尼斯的话来说，他结合了两种传统：5世纪的希腊雕塑和18世纪的基督教艺术，他们都以简洁充盈的形式表现理想化的人体。
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乔治迈因(1866-1941)托遗物的人，约1897年青铜，绿锈版号：4/4
61.5x24.3x38.5厘米
签名和编号：G.MINNE4/4（基座左边沿）
铸造印章：FONDERIA…TOMMASIITALYPIETRASANTA（基座后侧）
比利时艺术家与雕塑家乔治迈因擅长以理想化的样式描绘人的内在心灵冲突，
他和古斯塔夫克林姆特和埃贡席勒同处于一个时代，作品在形式和题材内容上显露出和维也纳分离派的很多相似之处，被称为新艺术风格之父。乔治迈因的作品具有一种极富表现力的个人风格，他创作的人物雕像形体僵硬面庞消瘦，躯体颀长并且包含了很多宗教符号，带着一种“世纪末的哀愁”。迈因的这种艺术倾向很可能是源于他最初对19世纪学院派的抵触情绪以及早年与象征主义艺术家的接触经历。在那个时代，乔治迈因的作品得到了古斯塔夫克里姆特以及朱利叶斯迈耶-格雷夫等诗人、建筑家、设计师、艺术家及评论家的肯定。他最著名的作品是“跪着的青年”系列雕塑。
《托遗物的人》是迈因“跪着的青年”雕塑系列的变体，只是在这件雕塑中，跪着的青年手中
21正托举着一件遗物，而这更增加了作品的象征意义。在比利时安特卫普皇家美术馆保存了这件作品的高度为六十八厘米的大理石版本，根据该博物馆的记录，“托物”这一形象并非由迈因首创，奥古斯特罗丹也制作过一件肩膀托物的雕塑；但是迈因的处理给这个形象带来了不同的意境，迈因的作品中传达出了弥漫在19世纪的悲观气氛，引领观者去探索关于自我封闭、脆弱和孤立的主题。75/30754
亚历山大阿尔西品科(1887-1964)岩间圣母，1912年构思青铜，棕锈版号：3/6
60.5x38.5x37.2厘米
签名、日期和编号：Archipenko19123/6（石右）
铸造印章：MODERNART.FOUNDRYNEWYORKNY（基座，后边沿）
亚历山大阿尔西品科是乌克兰裔美籍雕刻家及画家。他创造了以“空洞”
和“实体”的形式组合表现人体的新风格。阿尔西品科早年在俄国学习，1908
年受到毕加索和乔治布拉克作品的吸引来到巴黎，进入巴黎美术学校学习，并积极参加立体派运动。其抽象形象具有一种原始的活力和有节奏的运动，并改革了现代雕塑。这件作品名为《岩间圣母》，创作这件作品的时候，阿尔西品科的作品中已开始显露立体派雕塑的形式。作品的主题出自《圣经》：希律王为了剪除耶稣夺位的后患，派人在基督诞生的伯利恒地区大规模屠杀两岁以下的婴儿。天使通知圣约瑟，让他带着玛利亚与耶稣逃出伯利恒，圣母子一家刚刚来到约旦河边，得知约翰在这一带传教，于是相约与约翰在附近一个岩洞内会面。这件作品正如达芬奇同名画作中所表现的那样，圣母端坐于岩窟的地面上，并处于一个金字塔状构图的中心。但与达芬奇的画作不同的是，在阿尔西品科的雕塑中，岩石地面上有棱角分明的碎片以及对人物组成部分的分配与整合，雕塑呈现出一个多角度的视野，圣母玛利亚的乳房、膝盖和腿部有一种突出的动感，与尖锐的岩石结构和冰冷的几何图形形成鲜明对比。
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安德斯佐恩（1860-1920）AndersZorn洪水，1912年布面油画
90x60.5厘米（无框），106x84.3x10厘米（带框）签名和日期：Zorn1912（右下）
安德斯佐恩是一位瑞典画家、蚀刻师和雕塑家。他最初以一个水彩画家的面貌步入画坛，笔法轻快，色彩清朗，造型准确。19世纪八十年代他在巴黎和伦敦逗留期间受印象主义绘画的启发，开始研究光与色的关系。1888年后改绘油画，很快成为欧洲知名画家，在肖像画创作方面、风俗画和女性裸体绘画上首屈一指。佐恩于用阔大豪放的笔触描绘对象，画面清新明朗，笔法松弛畅快，追求画面的光感和色彩变化。他的风景画和风俗画通常描绘他所熟悉的瑞典乡下生活，常常选择裸体农妇为题材。
《洪水》表现的是洪水过后一个女子裸身穿过湿淋淋的水草丛中的景象。作品标题名为《洪水》是一个托辞，画家捕捉的只是一个漫不经心地穿过水边杂草的女人，他将关注的焦点放在模特的曲线而并非“洪水”上。对于女性身体形式力量的极度敏感让作品带有了雕塑般的真实效果，艺术家不仅仅表现世俗的欲望，更着重捕捉女性身体的生命力与感官刺激，像印象派的技法一样，通过画布上的笔触来达
22到视觉效果。户外的女性裸体是佐恩绘画中最常见的主题，他将风景用作基本的背景来表现他的想法，在自然环境中表现模特自发的姿态，而不是在工作室中描绘他们非常刻意的、人为摆出的姿势。
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